30 diciembre 2013

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Kayo Dot - Coyote (2010)

Kayo Dot - Coyote
Kayo Dot es una agrupación musical absolutamente ecléctica, discontinua y camaleónica. Practican música de vanguardia, difícil de seguir y difícil de contextualizar. Su estilo musical es disparejo a lo largo de sus discos, pero se caracterizan en todos por generar piezas oscuras y perversas, que se pueden enmarcar en el Chamber-Rock de Vanguardia, con elementos de música serial, o de serialismo y de música concreta.
La banda es una de las actuales referencias del RIO (rock in opposition) o de la música de cámara experimental mezclada con rock. Su música nace de la cabeza de Toby Driver, líder de otras agrupaciones como maudlin of the Well, acompañado por una variedad de músicos destacables como Tim Byrnes en trompeta o Mia Matsumiya en violín. Son influenciados por agrupaciones como Univers Zero y Art Zoyd y por compositores como John Zorn, o los "clásicos" Stravinsky y Bartók, con el agregado de experimentación con sonidos del "rock actual" y de música concreta.
En cuanto a sus discos, los que considero los mejores discos de la banda son el primero que hicieron, de 2003, y el que posteo hoy en el blog. Elegí traer Coyote y no Choirs of the Eye, su primer y más escuchado disco, por una simple razón: en Coyote no hay ni Screams ni guturales ni casi ninguna influencia del hardcore o del metal extremo. Y ya que estoy presentando una agrupación difícil de escuchar, me parece sensato que si algún lector del blog quiere acercarse a esta banda no tenga "una dificultad extra" en ese lado pesado/metalcore del primer disco. Más considerando que este blog cuenta con pocos seguidores aficionados al metal-extremo y a sus sonoridades. Por eso Coyote, que es Kayo Dot pero sin lo extremo, es una buena manera de entrar en la cabeza de Driver. Aunque les diría que no esperen, si no son asiduos oyentes de música experimental, que les guste o "entenderlo" a primera escuchada.

28 diciembre 2013

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Explosions in the Sky - The Earth is not a Cold Dead Place (2003)

Los texanos de Explosions in the Sky son para el Post-Rock lo que Pearl Jam para el grunge, lo que Rush para el Rock progresivo, lo que Monk para el Post-Bop. Es decir son un grupo referente ineludible del género que representan, son de los mejores y más escuchados de su género, sin haber sido participes del nacimiento del género como tal, sino que supieron apropiarse de lo que se estaba formando y asimilarlo para poder expresar su propio concepto musical, a partir del cual desarrollaron un estilo reconocible dentro de un género que existía antes.
Esto es lo que tenemos en EitS, un Post-Rock profundamente espacial y atmosférico, con mucho contraste entre pasajes seudo-noise/drone y estallidos de potentes riff con tiempos muy marcados. Son la banda de Post-Rock que más fuertemente se apoya en las guitarras, con un muy particular y característico estilo de arpegiar a dos (o tres a veces) guitarras que es el sello particular de EitS, y que me cuesta bastante describir, además de otras técnicas típicas del género.
Algo que sucede con este grupo es que uno no se da cuenta que lo tiene escuchado hasta que pone un disco y piensa "esto me suena de algún lado". Esto es así puesto que en algunos ámbitos se hace uso casi abusivo de las bellas piezas atmosféricas de Explosions in the Sky, en películas, en documentales y en programas televisivos deportivos (TyC Sports los usa mucho) uno escucha pasajes de canciones de esta banda.
The Earth is not a cold dead Place fue, hace varios años mi primer acercamiento al post-rock, y desde que empecé a escuchar dicho género he encontrado pocos discos con una coherencia sonora y un estilo tan marcado y homogéneo como el de este.
Un disco que no me canso de escuchar, ni me canso de postearlo, ni me canso de recomendarlo...

24 diciembre 2013

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Canya Reial - Special Weedz Vol.​1 (2010)


En lo que sigue siendo una esporádica incursión en el Hip-Hop experimental e instrumental, me topé con Canya Reial y uno de sus muchos álbumes al que no tardé en agarrarle el gustito.
El volumen 1 de lo que es una saga extensa, consigue ser un encuentro original de Hip-Hop experimental bajo una atmósfera jazzera, con el aporte de instrumentos y texturas menos convencionales que le dan un gran alcance a la música. Por momentos uno se olvida que esto es Wonky o lo que sea, y se deja llevar por una música orgánica fácilmente agradable.
A modo de conclusión cliché, hay mucho para descubrir en tipos de música como este que se valen de viejos y algunos nuevos recursos para crearla. Los invito a que, como yo, tengan el agrado de gozar esto; algo diferente.

17 diciembre 2013

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God is an Astronaut - All is Violent, All is Bright (2005)

God is an Astronaut es una banda que crea paisajes. Su estilo de Post-Rock, abierto y ambiental pero a la vez rítmico, inundado de acordes de teclados pero con bajos y/o guitarras graves presentes rememora grandes espacios abiertos y transmite una placentera sensación de libertad. Son pintores que en lugar de pinceles tienen instrumentos musicales, porque son grandes evocadores de imágenes; característica propia del post-rock y que GiaA hace suya en particular siendo pintores-musicales de grandes ambientes espaciosos.
La banda es un trío musical irlandés y son un referente del Post-Rock, siendo lo más escuchado de su género junto a otras bandas como Explosions in the Sky, Mono y Mogwai. En particular estos irlandeses se caracterizan por ese, a priori contradictorio, coqueteo entre el ambient y los ritmos cerrados de rock más tradicional. Son grandes armonizadores, en general con mucho sintetizador, "String esemble" de teclados y pianos, junto a bajos guitarras y batería que como ya dije hacen un trabajo mucho más de "rock tradicional" instrumental que de post-rock
All is Violent, All is Bright es un disco que personalmente fue iniciático para mi en el conocimiento del Post-Rock. Lo empecé a escuchar junto a Explosions in the Sky cuando decidí a meterme en el post-rock, y sin duda este gran album del 2005 hizo que me sienta muy atraído por el género que representa.

13 diciembre 2013

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Egg - Egg (1970)

Egg - Egg
Egg es una usualmente olvidada banda, del usualmente más olvidado sub-género (el Canterbury) del usualmente olvidado Prog Rock. Es decir, una banda que no recuerda ni el loro y que, como tantas, quedó injustamente archivada en los polvorientos sitios de "fans-raritos" del rock progresivo. 
Se trata de un trío pionero e iniciador del rock progresivo, y del movimiento de la Escena Canterbury. Es una banda con un fuerte componente instrumental, apoyada en las teclas (órgano, hammond y piano) de Dave Stewart: un pianista con un arraigue muy fuerte a la música académica. Acompañado por Mont Campbell que era el cantante y el bajista que llevaba el ritmo junto a Brook de estos complejos viajes entre neo-clásicos, sinfónicos y psicodélicos. Es una de las bandas pioneras en el uso de compases poco convencionales, y en el uso del órgano como instrumento soleador entre lo clásico y lo rockero (como ya estaba haciendo Keith Emerson en The Nice).
Este primer disco es el que tal vez tenga más cercanía hacia el sinfonismo y la música clásica (reversionan una fuga de Bach, de la famosa BWV 565), y en el que más se nota sus raíces en la escena Canterbury. El tema que ocupaba el lado B del LP, la "Symphony N°2" es un complejo viaje sinfónico que recuerda a Caravan, a The Nice, y que (si bien son anteriores) también puede rememorar a ELP y a Focus.

11 diciembre 2013

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3nd - View From Here (2007)


A priori, la combinación "Japón" y "Math Rock" parecía pegar y mucho en mi cabeza cuando me lo recomendaron. Acto seguido lo escuché, y con creces superó mis expectativas.
3nd consigue con un típico Math Rock técnico y virtuoso, abrazarnos y llevarnos de paseo por un rato en melodías dulces; una sensación de gran bienestar. Remarco tales bondades, porque eso es lo que comienza a sentirse desde el primero y hasta el último tema.
Sabrán apreciar mucho los oyentes de esta música a esta banda, pero me parece aún una mejor carta de presentación para aquellos que no se animan o encontraron a esta música como aburrida.

28 noviembre 2013

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Meshuggah - obZen (2008)

Meshuggah - obZen
Un dolor de cabeza. Un trabajo de "ingeniería de lo increible" digno de ser pasado por Discovery. Un cadenazo a los dientes. Una muestra de Caos Controlado. Una invitación a la locura. Un quilombo. Todo eso es Meshuggah: la banda de metal más original de todos los tiempos.
El núcleo duro característico de la banda es su intrincada y fascinante rítmica. Tomas Haake, el baterista del grupo tiene dos cerebros. No hay otra explicación creíble de como lleva (en muchos temas) dos líneas rítmicas superpuestas y muchas veces desfasadas(por usar dos compases distintos en cada línea); dando una demostración de lo jodidos que son los poliritmos. Hay veces en las que hay que estar excesivamente atento para tratar de contar en que compás(es) están tocando, Usan rítmicas inéditas en pasajes... Y superpuestas, para hacerlo más jodido.
Dentro de ese dolor de cabeza que son los poliritmos de Haake aparece la mente maestra de Fredrik Thordendal, guitarrista del grupo. Usa riffs acordes a estos quilombos rítmicos: suelen ser grooves demenciales, muy graves dado el uso de guitarras de 8 cuerdas y con una particular manera de intercalar los tiempos fuertes y débiles que se me hace difícil de describir.
Bien: rítmicamente son un quilombo maravilloso, y "armónicamente" se basan en grooves super-graves. ¿Qué hay de la parte melódica? Se centran en las trabadas voces guturales de Jens Kidman y en el capítulo aparte que son los solos de guitarra. Los solos de guitarra de Thordendal son del jazz fusión más complejo y técnico que uno podría imaginar. El otro día el amigo Pyramide de CdM me dió el calificativo perfecto para definir estos solos: son del estilo de jazz fusion de Allan Holdsworth (y nunca había escuchado ningún guitarrista siquiera estar cerca de solear como Holdsworth).
No trivialmente digo que sean la banda más original de la historia del metal. No hay una banda que suene igual, y si hay alguna con una aproximación a la rítmica y manera de "riffear" de estos suecos inevitablemente se les dirá que son "influenciados por Meshuggah". Es que este grupo ha sabido crear(se) dentro del mundo del metal extremo de una manera única. Tanto que pienso que debería existir un "tag" o un subgénero que se aplique exclusivamente al estilo complejo, rebuscado, trabado, obsesivo, rítmico, grooveado de hacer música de "Shuggah". 
Una banda que es difícil de escuchar y que francamente tiene como efectos adversos traer dolores de cabeza atronadores, pero que en la dosis justa hacen delirar a cualquiera que le guste la música progresiva. Y obZen para mi es la mejor manera de empezar a escucharlos, por eso lo traigo hoy al blog.

27 noviembre 2013

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Goro Wins - Super 8 (2012)


Goro Wins es una interesante propuesta porteña rica en Jazz y Funk que me sorprendió por la calidad y frescura de su música.
Como ellos mismos se describen, la banda tiene su base en las improvisaciones y la variedad de gustos de sus integrantes. Sin forzar una comparación, se pueden encontrar similitudes con Phish, con la diversidad, los géneros y la improvisación como puntos en común.
Hay también una fuerte apuesta a la capacidad técnica de los músicos. Esto se ve reflejado tanto en las melodías interpretadas como en, principalmente, las muy bien logradas composiciones.
Resulta finalmente cautivante la simpatía en la que se van desenvolviendo los temas. Es eso lo que termina atándonos a esta música y querer disfrutar de un tema atrás del otro.

26 noviembre 2013

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Pan.Thy.Monium - Khaooos & Kon-Fus-Ion (1996)


Como en tantas otras ocasiones, no me resulta fácil describir el trabajo de la banda en cuestión.
Pan.Thy.Monium fue un proyecto de Dan y Dag Swanö junto a otros miembros de Edge Of Sanity y demás, de pocos años de duración y tan sólo tres discos, aunque más que suficiente para ser una referencia de la música de vanguardia y el tan generoso con la música metal sueco.
En este, su último y concluyente trabajo, la banda finaliza la historia narrada en un trabajo conceptual que consta de tres álbumes, donde el héroe o dios protagonista, muere. Sí, conté el final (?). De todas formas, a priori, ninguno de nosotros iba a darse cuenta. Los guturales son utilizados como un instrumento más y no tienen letra alguna. Lo inusual es la regla en este álbum. Igualmente las sorpresas no dejan de surgir y su eclecticismo es la principal atracción.
A pocos se les ocurriría una fusión entre Doom Metal, progresivo clásico, y las tantas otras yerbas que los hermanos Swanö echaron a este álbum y que tan bien quedaron.

12 noviembre 2013

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of Montreal - Hissing Fauna, Are You The Destroyer? (2007)


Un prejuicio de la mayoría puede ser el concepto de la falta de elaboración en la música Pop. Algo de cierto hay en ello, ya que si bien otros tipos de música no escapan a esto, el propósito final de la industria es vender lo que sea y como sea, y la elaboración musical no es necesaria para esto.
Dejando de lado semejante revelación, el propósito de aquella introducción es la de presentar la contracara del género y este otro aspecto que muestra of Montreal en este álbum.
Entre psicodelia, Funk, y varias otras cositas se desarrolla "Hissing Fauna, Are You The Destroyer?", donde la música, a priori alegre, contrasta con las letras oscuras y una trama algo desvirtuada que trata sobre ciertos episodios de la vida personal de Kevin Barnes, cerebro de todo esto. Sugiero buscar información más detallada sobre este álbum conceptual a aquel que esté interesado, así como las letras.
Después de rechazar y casi aborrecer este disco las primeras veces que lo escuché, llegué a valorar y disfrutar la riqueza que tiene y todo lo que Barnes y compañía pusieron en él. Así que si les sucede lo mismo inicialmente, sepan que dándole más chances, mejora y mucho.

04 noviembre 2013

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Nosaj Thing - Home (2013)


Con un espíritu básicamente Chillout, más allá de detalles particulares, "Home" es un buen rato de música agradable y relajante.
Naturalmente, estos tipos de música hacen foco en la ambientación que logran con todos los recursos que tienen a su alcance. Y Jason Chung tiene la virtud de saber aprovechar esos recursos y ponerlos juntos de manera tal que la experiencia nos sumerja y nos transporte.
Sin mucho más para agregar debido a mi momentánea capacidad para escribir, sugiero este trabajo como una manera fácil de escaparse del día.

21 octubre 2013

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Igor Wakhévitch - Hathor (1973)


Más de este estilo poco popular de este tipo de música poco popular hoy en día que es el Progresivo. Electrónico en este caso. Y como si no le alcanzara, un grado de experimentación que tornan a este álbum aún más peculiar. De todas formas, tanto encasillamiento puede significar poco para el oído y gusto de uno, pero sirve para dar una idea.
"Hathor" es un trabajo sumamente oscuro, marcado por el uso de sintetizadores y cantos corales, gregorianos, de tipo litúrgico, que le dan una vestimenta religiosa a la música.
No hay mucho más para agregar en cuanto a elementos se refiere. Lo más interesante está en la s combinaciones y atmósferas que logra. Con la concentración adecuada, sumergirse en este disco puede tornarse en una experiencia profunda y tal vez incluso tenebrosa.

20 octubre 2013

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Van der Graaf Generator - Godbluff (1975)

Van der Graaf Generator - Gdbluff
VdGG es uno de los referentes clásicos y "obligados" del Rock Progresivo. Algo insoslayable, para empezar a hablar de este grupo es su extrema originalidad. La banda es dueña de un sonido tan propio que no creo haber escuchado bandas que hayan podido imitarlo (si hay a las que influenció, pero no bandas que suenen a VdGG como si hay bandas que suenan a Genesis). Esta autenticidad se basa, en el (y este es un adjetivo que suelo guardármelo para muy pocos) genio descomunal de Peter Hammill: una de las más exquisitas figuras del rock progresivo, y una de mis voces favoritas de cualquier estilo musical.
En mi anterior blog había posteado este mismo disco, y vuelvo a traerlo (y no a elegir otro de los buenos discos de este grupo) por la simple razón que lo considero un disco obligado de su género. De hecho, lo considero entre los 10 mejores discos de rock progresivo y en ese (cuestionable) sitio de referencia del rock progresivo que es ProgArchives, también lo ponen décimo en su ranking. 
¿Qué tiene Godbluff para que se le tenga tan alta estima? Tiene a Hammill en su más alta expresión. Tiene a uno de los mayores genios del prog brillando como nunca. La voz de Hammill es descomunalmente versátil, histriónica como pocas y expresiva como ninguna. Tiene la capacidad de variar registros, colores de voz, tonos y emociones transmitidas con una naturalidad única. En The Undercover Man siempre me imagino a un actor diciendo semejante letra (semejante libreto) debajo de un reflector en un monólogo de teatro dramático. Es impresionante lo que Hammill logra en esa canción. 
El excelente nivel vocal de Hammill es acompañado por los ambientes de teclado tan distintivos y difíciles de imitar de VdGG. Atmósferas oscuras, densas y profundas, que apoyan esa imagen teatral dramática y oscura con un solo reflector y si se me permite: con algo de bruma y neblina también. Los trabajos de Saxofón de David Jackson, así como sus flautas son el complemento perfecto para esta oscuridad teatral excepcional de VdGG.
Dejo de desvariar sobre mis impresiones sobre la teatralidad de este disco del grupo, pero termino diciendo algo como yapa: Godbluff tiene una de las 5 mejores canciones de la historia del rock progresivo (clásico, al menos) que es The Sleepwalkers. Donde una invasión de zombies es musicalizada por un solo de saxo excepcional y relatada por los gritos desgarradores de Hammill.

19 octubre 2013

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Harmonium - Si on avait besoin d'une cinquième saison (1975)

Harmonium - Si on avait besoin d'une cinquième saison
Entre los "discos obligados de la música progresiva" está Si on avait besoin d'une cinquième saison de la agrupación canadiense francoparlante Harmonium. Todo aquel que se adentra en el mundillo de la música progresiva debe llegar eventualmente a este disco, por la simple razón de que es uno de los más originales de dicho género. La conjunción de música Folk, sinfónica-de-cámara y jazz lo hace único. Más cuando le sumamos las voces en Francés, y el concepto de hacer una canción para cada estación del año, y una 5ta "por si alguien necesitaba una quinta estación" (algo así quiere decir el nombre del disco, al cual yo considero entre los 15 o 20 mejores del prog).
Música que recrea otro mundo, un mundo tranquilo y natural como la tapa del disco, pero a la vez surrealista, con flores que tienen cabezas, y con flautas sonando en un contexto de teclados, guitarras y voces dulcísimas.
Lo que más destaca en este disco son los excelentes trabajos de guitarra, las dulces voces en francés y los vientos (flautas, clarinetes y saxos principalmente) además de algunos instrumentos que le agregan mucho de un folk particular como son las Harpas y los acordeones.

13 octubre 2013

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Pez - Folklore (2004)

Pez - Folklore
Pez es un enigma. Una banda mutante, que no tiene el mismo sonido en dos discos seguidos ni por casualidad, lo cual creo yo habla de la necesidad de expresión de su mente maestra, Ariel Minimal. Aún así entre discos se pueden rastrear elementos comunes que hacen a las obsesiones de Minimal; en  las letras (en Folklore - Hoy - Los Orfebres hay cierta continuidad en las letras) y en lo musical. En este último aspecto el leiv-motiv de Pez parece ser: no quedarse quietos en un solo lugar, y experimentar y jugar con los sonidos para ver como expresarse.
Folklore es el disco más cercano al rock progresivo que haya hecho pez (aunque no muy lejos está Convivencia Sagrada, este último más cercano al jazz-rock) con el uso de teclados que personalmente me rememoran mucho a trabajos de distintas bandas de Luis Alberto Spinetta (temas como Sus alas no vuelan, ya no puede volar o Lo verás Reir tienen una clara raíz Spinettiana). Otra influencia (que es obvia al haber invitado a Del Guercio a tocar con ellos) es Aquelarre, aquella fantástica banda de rock progresivo Argentina de los 70's. La influencia de esta banda se detecta en la batería inquieta y compleja, y en los riffs potentes de canciones como Maldición.
A su vez el disco tiene otros dos elementos: algo cercano a un punk-rock/Hard-core en temas como Respeto. Y en otros pasajes, unos ambientes totalmente distintos (es un disco con muchos contrastes, por algo arranqué diciendo que Pez es un enigma) como los pasajes Space-Rock de Aprender, comprender, facultarse, darse cuenta, que bien podrían ser de Eloy o Pink Floyd.

12 octubre 2013

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...And You Will Know Us By The Trail Of Dead - Worlds Apart (2005)


No se cómo pasó tanto tiempo sin al menos haber oído nombrar a esta banda. Lo digo porque al tener al menos un semejante álbum como este, no podrían pasar desapercibidos. Pero lo hicieron. Como sea.
Si bien "Worlds Apart" es un disco de una banda de Indie Rock, lejísimos está de ser un mero trabajo de bajo ese vago término. Como si fuera un homenaje a la música en sí, se puede disfrutar de sonidos tan diversos, de Clásica a Punk, de Shoegaze a Indie, algo de Progresivo y Post-Rock también, y una ensalada de géneros que no tiene mucho sentido enumerar porque lo que les da sentido son las ideas con las que la banda supo hilar cada momento.
En primera instancia me pareció escuchar un montón de canciones clichés Indie Rock con un cantante chillón y un montón de sonidos que pasaban desapercibidos. Ahora están avisados y estén atentos para no cometer el mismo error y saber disfrutar de entrada un trabajo tan rico como este.
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Nexus - Perpetuum Karma (2006)

Nexus - Perpetuum Karma
Perpetuum Karma es uno de los puntos más altos de la música progresiva Argentina. Una verdadera joya, con mucha menos difusión de la que merece, hasta tal punto que yo lo considero de los mejores trabajos de la música Argentina, al lado de las grandes obras de mis ídolos (Piazzolla, Spinetta). Es una obra de perfecta orfebrería, con el talento de un teclista excepcional como es Lalo Huber, acompañado por excelentes interpretaciones de los otros instrumentistas. 
Impulsados por una fuerte influencia de Emerson, Lake & Palmer, combinado con dosis de Crucis y Camel, y un buen aporte personal del grupo, el sonido de Nexus es jamón del medio para cualquier amante del rock progresivo, en particular del rock sinfónico progresivo. Lo que más me atrapa de la banda es el cuidado compositivo. De una complejidad exquisita, cuidadosamente trabajada, pero a la vez muy simple de escuchar y muy natural. Por ejemplo, el 7/4 de Mirar Hacia el Centro, es un ritmo que no suena nada forzado, y que lo llevan cabalgando durante todo el tema casi, con una maestría excepcional y con muchas variaciones que suenan perfectamente naturales.
Otro punto alto es la bellísima Del Abismo al Sol, canción del estilo de Ice de Camel, o Los Delirios del Mariscal de Crucis, una excepcional balada-espacial (si se me permite) con mucho sinfonismo y un talento guitarrero hermoso, de mucha influencia en Latimer. 
Pero la verdad ir nombrando canciones es injusto, es un trabajo absolutamente sólido, con una pequeña debilidad en las voces, pero con un nivel de rock progresivo de lo más alto que yo halla escuchado.

10 octubre 2013

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Koby Israelite - Blues From Elsewhere (2013)


Gracias al pedido de un lector que hoy traigo (y disfruto) la música de este talentoso y rico músico israelí. Como soy vago, no me voy a extender mucho en la vida de este tipo, pero creo que son solo nombrarles que trabajó junto a John Zorn pueden darse una buena idea de por donde viene la mano. Más aún, y como si de una familia, escuela, o casta de músicos se tratara, el sonido de Koby se puede ubicar entre la variedad y frescura de Zorn, y entre otros sonidos del Este como Emir Kusturica o Charming Hostess.
No hay una idea específica más que la diversidad, y esa es la propuesta de Koby Israelite en un álbum que nos pasea por buena parte del mundo.

08 octubre 2013

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Lantlôs - .neon (2010)

Lantlôs - .neon
Lantlôs es un proyecto musical que se encuadra en el movimiento musical definido como "Blackgaze". Estilo del cual es referente Alcest, y que se caracteriza por un ambiente de rock introspectivo, melancólico y ruidoso con guitarras cargadas de distorsión (hasta acá influencias del llamado Shoegaze) sumado a algunos elementos de un Black-Metal Atmosférico: principalmente los estilos vocales. 
Como decía, Alcest es una banda referente de este estilo, la principal impulsora. Es una banda llevada adelante por un solo hombre: Neige, quien también participa en este proyecto concebido por el alemán Herbst. Este dúo es Lantlôs, Herbst toca todos los instrumentos y Neige hace las voces. Realmente recuerda a Alcest, con la particularidad de ser un tanto más crudo en sus pasajes Black-Metaleros y un tanto más variado (con algunos ritmos bastante originales) en sus partes "tranquilas".
El disco que aquí les presento es un disco corto, bastante sólido a lo largo de sus canciones, pero con un punto particular y especial a remarcar. Es su tercera canción: Pulse/Surreal. Es una canción excepcional. Desgarradora, profundamente desgarradora. Hermosa. Acreedora de un sonido profundo y desolador y a la vez muy auténtico. Aún siendo un gran admirador de Alcest, considero a esta canción la mejor obra en la que participe Neige que yo halla escuchado.
Si de alguna manera se puede describir el sonido del disco .neon es con una palabra que ya usé: desgarrador. El choque entre los matices creados por los pasajes melancólico-opresivos (aproximados a shoegaze/rock alternativo) y los pasajes violentos-desesperados (con raiz Black-metalera) sin duda provocan algo en el oyente. Uno no queda inalterado al escuchar esta música, algo despierta: fascinación, opresión, desagrado para los que no les gustan la manera de cantar de estos géneros de metal, algo... Así que cualquiera que esté buscando música original y expresiva puede escuchar a Lantlôs, en particular aquellos que gustan de los sonidos introspectivos, oscuros y sucios como un callejón abandonado.

27 septiembre 2013

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Ladytron - Gravity The Seducer (2011)


"Gravity The Seducer" es el quinto álbum de estudio de Ladytron y uno de los más interesantes en mi opinión. Si bien no tiene la calidad, o mejor dicho, el estilo los anteriores (no tanto), el giro y la propuesta de un nuevo sonido lo hacen muy atractivo.
Una evocación de la psicodelia suave de los '60 se muestra como la principal idea en este trabajo. La calidez de aquellos sonidos se fusiona con lo que en parte podría considerarse como su análogo de los '90, Dream Pop. El agregado característico de Ladytron con sus hermosas voces y cortinas de sintetizadores trae al presente a la música, como así también dejando en ella el sello de la banda, mucho más evidente en otros trabajos, pero aún presente en este.

25 septiembre 2013

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Gregor Samsa - Rest (2008)

Gregor Samsa - Rest

Gregor Samsa es un espléndido ensamble musical cuya obra linda entre la música de cámara contemporánea, el post-rock, el shoegaze y el ambient. Cuenta con el piano y la hermosa voz de Nikki King, quien sería la líder de la banda, acompañada por un conjunto de músicos (con coristas, cuerdas, vientos, xilofón, etc.) entre los que destacan Toby Driver(guitarra, voz) y Mia Matsumiya(violín), miembros de Kayo Dot, maudlin of the Well y Tartar Lamb.
Si bien cuentan con la participación de Driver y Matsumiya, la música de Gregor Samsa dista mucho, de la de las bandas de dichos músicos. Kayo Dot por ejemplo, es una banda oscura, pesada y experimental, mientras que en Gregor Samsa destacan los arreglos sutiles "de cámara" y el dejo ambient post-rockero.
Entre las influencias que uno detecta en Gregor Samsa se encuentran elementos de música de cámara contemporánea y de compositores minimalistas, además de influencias de bandas de post-rock como Hammock, Sigur Rós, GY!BE y particularmente (para mi oído) Balmorhea
Si uno piensa en una banda que toma su nombre de un personaje de Kafka probablemente se haga un poco idea de a que podría sonar. Pero lo cierto es que yo hubiese esperado otra cosa, al menos en primera instancia. Para musicalizar un escrito de Kafka me hubiese esperado un Doom-metal denso y opresivo, como suele ser el ambiente Kafkiano, o un dark-avant-garde como el de Kayo Dot. Esta banda, Gregor Samsa, es ambiental, profunda y oscura(todos rasgos que quedan perfecto con la obra de Kafka, realmente). Transmite cierto halo de tristeza y melancolía, pero no opresión como yo hubiese esperado por su nombre. Más allá de lo que yo esperaba, son una buena elección para escuchar mientras se lee algo de Kafka. En su momento lo hice, pero no con "La metamorfosis", libro de donde toman el nombre. Si no leyeron dicho libro, es una buena oportunidad para leerlo en compañía de la obra musical de un grupo que toma su nombre del personaje de aquel, Gregor Samsa.

24 septiembre 2013

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Demians - Building An Empire (2008)


Costó muchísimo que me entre esta banda y les fui reacio por mucho tiempo. Recién después de varias escuchadas (con no mucha predisposición) empezaron a crecer en mí. Hablo en plural referenciando al nombre de la banda, aunque en realidad en estudio es solamente una persona, Nicholas Chapel. Como decía, me costaron, me costó, me comosea. Y aún ahora que puedo apreciarlo lo suficiente como para traerlo acá, hay un remanente de ese sentimiento.
Demians, como dije, llevado a cabo por Nicholas Chapel, cae en la bolsa de ese progresivo pesado y melódico que empezó a nacer por el 2000, y que bandas como Porcupine Tree, diferencias más, diferencias menos, supieron producir. Esto debe dar ya una idea de cómo suena Demians. Y es eso lo que un poco decepciona, el ya tener demasiada idea de cómo suena. No que no hayan ideas originales ni momentos destacados. Después de todo, como dije líneas arriba, si lo traigo es porque me agrada, porque me parece interesante, y porque, más importante aún, considero agradable y atractivo para muchos (y me incluyo).
Este sonido que ya describí es, a pesar de un poco cliché, efectivo, y seguramente uno no se cuestionará, mientras escucha, cosas como éstas (disculpas adelantadas por el condicionamiento). Y es efectivo porque seduce su sonido de chico malo y rebelde, con una mezcla de simpleza y Pop, más otros detalles progres que a muchos nos terminan de convencer.
Entonces... ¿qué? Dependerá de cada uno, obviamente. Mas no por eso "Building An Empire" no dejará de ser un álbum más en el gusto de cada uno; imagino que puede terminar gustándole a cualquiera.

09 septiembre 2013

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Antônio Carlos Jobim & Elis Regina - Elis & Tom (1974)


Y así desembarca la Bossa Nova en este blog. Se ha tomado su tiempo, sí, pero creo que al menos lo hace de una de las mejores maneras. No soy un gran conocedor del género, ni mucho menos, pero considero un álbum como este perfecto para introducir la música en este espacio y para introducirnos a nosotros en ella.
Creo que es fácil hacer la asociación de la calidez de la gente de Brasil con su música, entre otras cosas, y seguramente haya mucho de razón en ello. Pero mucha luz no debo arrojar sobre el tema al decir eso; la mayoría sino todos podemos pensar en eso. Entonces al nombrar lo arrulladora, evocadora, y de nuevo, cálida que es esta música tampoco será nada nuevo. Sin embargo es así lo primero como lo principal que uno siente al escuchar este álbum que abraza; un manjar para los oídos.
Como todos, no recuerdo lo que era estar en el útero de nuestras respectivas madres, pero seguramente era similar a lo que se siente el escuchar este disquito, disquito que se pasa volando de lo bueno que está.

07 septiembre 2013

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Steve Hackett - Voyage Of The Acolyte (1975)


Como cualquier conocedor de la escena sepa, Steve Hackett no solo fue el guitarrista de Genesis, sino también un prolífero músico solista, que aún trabaja hasta el día de la fecha, y que en sus comienzos creó un álbum maravilloso como este, Voyage Of The Acolyte.
El sinfónico de la época se hace firmemente presente en este disco. Aún siendo un trabajo suave y sin grandes extensiones instrumentales o demostraciones de virtuosismo, el trabajo está bien logrado. Abundan los detalles así como la variedad instrumental, y esta conjunción de elementos lo tornan en un álbum de Progresivo muy fácil de escuchar y gustar.
No se puede negar que el fantasma de su Genesis atraviesa esta música. Obviamente, el mismo Steve era parte de la banda, por lo cual tiene sentido encontrar alguna similitud. De todas formas, el parecido es escaso. Un Genesis diluído, que puede llegar a hacerse más fuerte en el tema final, Shadow Of The Hierophant, una pieza progresiva de diccionario que resulta ser un acierto de Hackett para cerrar el álbum.

04 septiembre 2013

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Porcupine Tree - We Lost The Skyline (2008)


Tengo una debilidad por los vivos de Porcupine Tree (un guiño para Steven, a ver si viene con sus amigotes de una vez), y especialmente con este acústico e íntimo, que si no es de mis favoritos pega en el palo.
Mitad del concierto solo, mitad contando con la incorporación de Wesley, los treinta y piquito minutos se pasan rápidamente entre armonía de voces y guitarras cálidas. Como un breve repaso por la discografía, el álbum contiene temas de los viejos y de los nuevos. Tal vez no los más populares, pero sí muy acordes al tipo de ambiente íntimo que se buscó.
La gracia de conciertos como este es precenciarlos, tienen otro gustito. Pero como no pudimos hacerlo, al menos nos damos el gustito de escucharlo, una y otra vez hasta el (no) hartazgo. 

31 agosto 2013

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Beach House - Teen Dream (2010)

Beach House - Teen Dream

Beach House es un dúo de Dream-pop formado por Victoria Legrand y Alex Scally. Se caracterizan por adosarle al característico ambiente etéreo del Dream Pop, una dulzura muy entradora, particularmente por la voz de Legrand. Si bien es una voz que, por incapacidad de lenguaje, podría definir como "dulce", es bastante más que eso, ya que por momentos es incluso áspera o dura. Por lo que la voz de Legrand es un poco un oxímoron en si misma. 
En cuanto al contexto musical que acompaña a esa voz, es más un electro-shoegaze-chillout-melozo-y-suave, que un "indie-pop" como muchas veces se los clasifica. Muy apoyados en los sintetizadores etéreos y en guitarras no tan cargadas de disto para el género, crean paisajes sonoros que por momentos recrean sentimientos de melancolía, y por momentos algo más parecido a un picaresco juego de chicos.

29 agosto 2013

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Petrychor / Frozen Ocean - Autumn Bridges (2013)


Split realizado por Petrychor y Frozen Ocean, ambos proyectos que mezclan Black Metal ambiental con distintas influencias folclóricas o electrónicas.
De una breve duración de veintitrés minutos, este split  puede resultar tanto un adentramiento a un metal agresivo pero agradable, como también a estas mismas bandas.
El sonido de Petrychor tiene un mayor acercamiento al Black Metal, entre pasajes delicados de guitarra clásica y el ímpetu de una guitarra bien distorsionada y blast beats, en tanto que Frozen Ocean se aleja levemente de esas características para alcanzar un sonido más ambiental y experimental, que por momentos incluso deja de guardar relación con el Black Metal.
Si bien el leitmotiv del split está bien definido, aún en su brevedad se permite abarcar un abanico bien nutrido con detalles cuidados.

19 agosto 2013

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Camo & Krooked - Pulse Of Time (2011)


EP del dúo austríaco de Drum 'n Bass, Camo & Krooked, cuyo tema "Cliffhanger" me sirvió como puerta de entrada a este tipo de música.
Sin mucho para decir al respecto, el sonido cargado de vértigo que bien logran estos sujetos consigue despertar interés en algo que por definición es repetitivo. Claramente, el agrado de esta característica dependerá de los gustos de cada uno, pero independientemente de ello, la producción pone un poquito las manos en el fuego para salir molde. Coqueteando con el Dubstep y acercándose al Liquid Funk, se torna finalmente imposible no apegarse al constante machaque de beats duros y bajos envolventes.
Cada música tiene sus circunstancias en el andar de uno, y esta puede que encuentre un lugar a llenar.
No sé qué dije.

18 agosto 2013

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Dmitri Shostakovich - Symphony No. 5 (dirigida por Neeme Järvi)


La 5ta sinfonía de Shostakovich tiene un rica historia. Lleva de subtítulo "Respuesta creativa de un artista a una crítica justa". ¿Qué crítica? La que, nada menos que Joseph Stalin, había hecho despiadada y duramente en Pravda por una ópera anterior de Dmitri (Lady Macbeth), dado su contenido vanguardista, atonal y osado. Estas tres características eran claramente opuestas a la idea conservadora, y "reflejista" del arte que tenía Stalin. Se lo tildó a Shostakovich de snob-antipopular, de"caótico" [me permito citar una frase que me gusta de Adorno: "The task of art today is to bring chaos into order"] "pornofonía" y de formalismo (personalmente: que estupidez tildar negativamente de formalista a un artista. El arte es auténticamente formalista, no un reflejador de la realidad, pero claro, La teoría del reflejo es lo que quiere un poder hegemónico como el Stalinista). 
Entonces, a los pocos años Shostakovich "le responde" con esta sinfonía de 1937 (previamente había retirado sin estrenar la 4ta, por miedo a represalias). Una obra romántica y conservadora, adecuada a la rusia Stalinista. Pero que encierra mucha ironía, en particular en su 4to movimiento, con lo que se considera "una falsa grandilocuencia" y una burla a la alegría que pretende instaurar Stalin, lo que constituye una crítica al movimiento político de su madre patria(de la cual nunca se fue).
Al margen de que Shostakovich haya abandonado su atonalismo en esta sinfonía (y en las venideras, serán más vanguardistas sus obras de cámara, no sus sinfonías), sigue y seguirá siendo un genio, y esta 5ta sinfonía es una de sus más grandes obras. Con unos arreglos de los vientos que personalmente me fascinan, y con un trabajo del piano que destaca como un elemento todavía rebelde y contemporáneo.

17 agosto 2013

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Henry Cow - Legend (1973)


Poner en palabras la música de Henry Cow es algo que a mí se me torna difícil (y a esta altura, al parecer, no solo la de Henry Cow). La dicotomía superficial aparente entre abstracción y materialización de la música, se torna finalmente en una experiencia placentera para el oyente. El tratar de encontrarse entre las armonías que se gestan constantemente es la propuesta que nos enlaza a los casi cuarenta y cinco minutos de Legend.
Entre un Jazz "novedoso" y divagante y otras series de pasajes sinuosos menos comunes se desarrolla una obra que supo y sabe ser icono de una corriente alternativa que extendió un poco más las fronteras de la música.

15 agosto 2013

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Radiohead - In Rainbows (2007)


Hay artistas que representan una época, una manera de pensar, una manera de ver al mundo, una estética. Hay artistas que sintetizan momentos históricos, pero no como "reflejos" de su época, sino como protagonistas que contribuyen a crear su tiempo, son eso que llamamos "vanguardistas" para su época. Radiohead es así, representa nuestra época; pero creándola, no meramente reflejándola. 
Lo central en estos artistas es su originalidad. Se podrán decir muchas cosas de Radiohead, pero por donde creo que hay que empezar es por ahí. Por la autenticidad de su propuesta artística. Tal vez no en sus primeros discos(aunque algo se empieza a adivinar), pero con el tiempo fueron sabiendo crear(se) de una manera única y personal. Supieron inventar un estilo reconocible, que es experimental, y que por esas cosas que yo nunca entiendo, también es muy mainstream (hay varios ejemplos de este estilo de artistas que son mainstream, tal vez el mejor ejemplo sea Pink Floyd. Lo que no entiendo es cómo se hacen tan mainstream. Tal vez porque aunque con una estética original y experimental expresan algo accesible para todos, que representa a todos. O tal vez es simple casualidad, o una industria que sabe vender muy bien).
Traigo a Radiohead en el blog, no esperando descubrir la pólvora (si hay alguien que no escucho esta banda, debería por lo menos pegarle una escuchada a su discografía, casi que por compromiso con la música de su época)  traigo a esta banda al blog para que no falte en él. Nada más que para eso. 
¿Y por qué In Rainbows? ¿Por qué no Kid A u Ok Computer(que serán posteados en su debido momento)?  Hasta hace no mucho consideraba esos dos como los mejores discos de Radiohead. Hasta que pasó algo con In Rainbows,  no se qué, que me hizo ponerlo por encima de aquellas dos obras maestras. Capaz que es por la madurez que desarrollaron en este disco, o capaz que es justo la conjunción de un montón de canciones hermosas: Nude, Reckoner, All I Need, creo que debería nombrar las diez, pero en particular hay que nombrar, la que más brilla, Jigsaw Falling into Place.

13 agosto 2013

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Amir ElSaffar - Two Rivers (2007)


Entre cierto tipo de música típica árabe (basada en el sistema Maqam) y las corrientes vanguardistas y de jazz libre desarrolladas en Estados Unidos, se encuentra Amir ElSaffar. De padre iraquí y madre estadounidense, esta relación familiar podría hacer de analogía para describir su estilo musical.
Una experiencia de seguro poco común para nuestros oídos. El uso en conjunto de vocales melodiosos, una percusión rica en variedad, y recorridos en trompeta (por nombrar algunos), hacen de esta una propuesta tanto novedosa como seductora. No obstante la música, que pudiese verse como lejana a uno, está llena de familiaridad, ligándolo a uno con su, a priori, singularidad.
Disfruté y mucho sumergirme en esta música, y aunque tal vez una reseña como esta pueda parecer poco seductora, la música en sí hace el trabajo que estas palabras no.

11 agosto 2013

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Wobbler - Afterglow (2009)


A principios de los 80 el Rock Progresivo dejó de ser mainstream, dándole lugar a la expansión de otros movimientos emergentes como también a la aparición nuevas ramas de este tipo de música. De estas nuevas ramas, surgieron naturalmente, sus respectivas bandas icónicas, las cuales siguieron marcando hitos en la historia del progresivo. Sin hacer un racconto de las últimas tres décadas, y asumiendo una familiaridad del lector con el género, tranquilamente se puede poner a Wobbler a la altura de bandas como Änglagård, Dream Theater, Radiohead, The Mars Volta, etc.
El estilo del grupo, sin ser una revolución con su sonido (ni que fuese necesario tampoco), se caracteriza por el uso de melodías medievales combinadas con una fusión de Progresivo Sinfónico y Folclórico. Demás está decir el éxito con el que lo logran y el placer que genera escucharlos. Alcanzar semejante nivel de detalles y delicadeza no podría ser posible no solo sin la calidad de los músicos sino tampoco sin el preciso conjunto de instrumentos que tan bien decoran con su sonido.
Provisto de dos temas principales sobrados de virtuosismo y otros tres temas de menor duración que bien sirven como introducción, intermedio, y final, Afterglow es un trabajo bien logrado y con todos los ingredientes necesarios que un oyente del Prog puede pedir.
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Haken - Visions (2011)


Haken es una agrupación de rock/metal progresivo, con fuertes elementos sinfónicos y mucha "cosa épica y grandilocuente" en su sonoridad. Basándose en "el buen Dream Theater" (en particular en el de Six degrees of inner turbulence) agregan elementos propios que los distingue de la banda de Petrucci. Personalmente, este disco, Visions de los británicos está a la altura de los mejores discos de DT, si bien no son bandas totalmente homólogas la comparación es inevitable. Dos cosas pienso relevantes marcar en esta obra, la "suite" homóloga de 22 minutos, "Visions" (que retoma ideas expuestas en todo el disco) es lisa y llanamente un temazo, de las mejores "suites" progresivas de los últimos años y es uno de los puntos más altos del metal progresivo que yo haya escuchado. En cuanto al resto del disco, "Nocturnal conspiracy" también es muy sólida, pero lo que critico del disco es lo que le critico a muchas bandas del género, es un poco sobre-extenso. Es más largo de lo que debería, en particular en las canciones 5 y 6 se hace levemente tedioso. En cuanto a los instrumentistas, son todos muy talentosos, el bajista (que es guitarrista de la banda To-Mera) es bastante más protagonista que Myung en DT, los tecladistas le agregan mucho sinfonismo, y el cantante es, a mi gusto mucho mejor que LaBrie.

08 agosto 2013

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Frédéric Chopin - Nocturnos (por Vladimir Ashkenazy)


Me gusta pensar que si para algo se inventó el piano fue para que venga un genio como Chopin para componer música para ese instrumento. Tanto sus Sonatas, como sus cuatro Baladas para piano, muchas de sus Mazurkas y en particular los Nocturnos; lo que creó Chopin para piano no puede ser descrito con palabras. Justamente porque creo que Frédéric Chopin inventó "un lenguaje" a través de su piano. Una manera de expresar sentimientos tan evocativa, que (por suerte!) las palabras no alcanzan para describirlo.
Es complejo hablar de estas obras, es complejo hablar de un hombre como Chopin; un compositor distinto a todos que, para mi, capta algo muy particular de la condición humana en su música. Un hombre muy sufrido, que murió muy joven, pero que dejó algunas de las obras para piano más sublimes que se hayan creado. En cuanto a los veintiún nocturnos, pues bien son obras universales. El nocturno op.9 N°2 es una de las composiciones para piano (y para cualquier cosa) más reconocidas de todos los tiempos, los op.15 también. Particularmente el op.48 N°1 me parece excelso. En fin, todos los nocturnos del maestro polaco son excepcionales, y como dije son indescriptibles por nuestro insuficiente lenguaje, por eso en este disco interpretado por el ruso Ashkenazy las palabras sobran.
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Various Artists - Au Clair De La Lune (2009)


En 1860, Édouard-Léon Scott de Martinville grabó mediante una aparato de su propia invención, el Fonoautógrafo, diez segundos de la canción francesa infantil "Au Clair De La Lune", interpretada por una mujer, cuya voz es más que arrulladora. Ciento cuarenta y ocho años más tarde, se pudo finalmente convertir el producto de aquel método en audio.
El presente trabajo es una forma de devolver a la vida aquella grabación y el significado de esos breves segundos de sonido, mediante composiciones modernas realizadas por artistas varios. El eje está puesto en tecnologías modernas, siendo la producción electrónica la técnica utilizada para representar los sonidos.
Composiciones absolutamente abstractas y minimalistas, mayormente de juegos de silencios y drones, y elementos de corte sorpresivos que dejan entrever ciertas vetas experimentales. A pesar de la homogeneidad que puede resultar de la falta de variaciones, cada composición, al ser de un artista distinto, se maneja con distintas paletas de recursos, siendo así cada canción un universo diferente e independiente de los demás. El único hilo conductor resulta, naturalmente, el fragmento de grabación recuperado, alterado a gusto y conveniencia en cada pieza.
La propuesta conceptual solo puede ser contrarrestada por la musical (y por el propio oído), aunque casualmente "estamos" en un álbum de música. ¿Qué ponderar? De todas formas, la apreciación, como tal, es subjetiva, por lo que desde acá es imposible asegurar el gusto. Haciendo un poco la tarea del oyente, se puede adelantar que la estimación de relaciones tan vagas y elementos disímiles resulta normalmente difícil y poco común, mas no imposible. Tal vez ese sea el reto propuesto por trabajos como estos. Y ojalá conseguirlo signifique una expansión de las concepciones que uno posee así como también encontrar la belleza en lugares menos comunes.

03 agosto 2013

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The Flaming Lips - Yoshimi Battles The Pink Robots (2003)


Los Flaming Lips son, como mínimo, muy particulares. Tal vez las dos características que más los distingue son las de ser Surrealistas y Experimentales. Estas dos características tienen sus implicancias; la banda definitivamente se sale de la media del Rock Alternativo en el cual podemos tentativamente clasificarla. Esta originalidad, es algo muy fresco de escuchar, pero como suele pasar con las bandas experimentales, pueden pasarse con sus pretensiones  o simplemente pueden resultar totalmente incomprendidos/incomprensibles. No es el caso de este disco, aunque si es algo que le pasó a la banda de Coyne.
Yoshimi Battles the Pink Robots es un disco que, sin renegar del estilo experimental y neo-psicodélico de la banda(y sin renegar tampoco de las marcadas influencias de Syd Barret y de Pink Floyd), resulta altamente accesible al oído, por buscar canciones más melódicas y estructuralmente coherentes. Razón por la cual es una gran carta de presentación (aunque sea el décimo disco del grupo) para empezar a recorrer los surrealistas senderos propuestos por estas mentes, donde la baterista y artista japonesa Yoshimi pelea contra esos "evil-nature robots, program to destroy us", que por algún motivo son rosas... Pero no todo son inverosímiles letras acá (no suelen hacer un surrealismo-bobo estos tipos), The Flaming Lips, detrás de esa máscara del absurdo tiene interesantes mensajes (de ahí el buen surrealismo que hacen) particularmente visible en la reconocida "Do You Relize??" una letra "clara y distinta", hermosa, todavía surrealista; pero profunda y concreta a la vez.
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We're Here Because We're Here

Simplemente a modo de breve re-introducción y como para informar y recibir a todo aquel que llegue/vuelva, este nuevo espacio-proyecto-blog es lo que solía ser el aniquilado Oh My God!, con algunas modificaciones, naturalmente. Un lavadito de cara que quedó precioso (?), la incorporación de Lauta y ojalá la de más gente, algunos otros cambios menores, e ideas que tal vez llevemos a cabo. Pero estas últimas cosas están en veremos aún.
Cómo sea, lo más importante es haber vuelto, con las mismas ganas y la esperanza de durar más que los dos añitos de Oh My God!.
Ya todo dicho, un placer estar de vuelta, que disfruten del material, y cualquier otra frase cliché que se les pueda venir a la mente. Saludos.

04 julio 2013

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Borodin Trio - Rachmaninov: The "Elegiac" Piano Trios (1984)


Cuando apenas escuché estas obras, y después de dejarme llevar por sus sensaciones generadas, no podía no compartir y exponer esto cual nene con juguete nuevo.
Los tríos elegíacos compuestos por Rachmaninov a temprana edad son, el primero un (posible) homenaje a su mentor Tchaikovsky (mantiene una similitud con su Trio en A Menor), mientras que el segundo, posterior a la muerte de su amigo, es ya sí un verdadero trabajo elegíaco dedicado a él.
Más allá de todo el trasfondo personal, más que resumido acá, que fue la inspiración de Sergei, lo más interesante es obviamente la música. Remarcar la intensidad de la pasión, la angustia, la fragilidad y la violencia, y lo funesto de estos trabajos es lo mínimo que se puede hacer, aunque un análisis es convenientemente más meritorio y recomendable, como este por ejemplo.
Por último, no puede pasarse por alto la interpretación hecha por el virtuoso Trío Borodin, que cuasi perfectamente capta la esencia del compositor y la obra.

01 julio 2013

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Persefone - Core (2006)


Persefone es un dulce para cualquiera que disfrute del género, y ojalá lo sea también para aquel que proponga sumergirse en esta música.
Esta reseña no pretende ahondar en los vastos elementos presentes en un álbum como éste, tanto por falta de capacidad como por pragmatismo. Para ello hay análisis mejores calificados en la web. No obstante no dejaré de mencionar lo esencial acá presente. Variaciones de climas y humores, duelos de guitarras, pasajes delicados, interpretación de la historia (voces femeninas claves acá), guturales, y mucha dedicación, como bien se puede a lo largo de todos los 70 minutos.
Aunque no sea un trabajo accesible al principio, su propio carácter termina volviéndolo difícil de no apreciar. Luego entrarán en juego los gustos de cada uno, pero ese es ya otro tema.

27 junio 2013

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Esbjörn Svensson Trio - Good Morning Susie Soho (2000)


El Esbjörn Svensson Trio bien sabe con su eclecticismo e innovación abarcar un amplio espectro de la música Jazz, dotando de contemporaneidad a los sonidos del pasado y, como consecuencia, logrando nuevos. Ese encuentro entre lo clásico  y lo hodierno queda bien plasmado en "Good Morning Susie Soho", trabajo considerado como de los puntos más altos de la carrera del trío (algo difícil de distinguir en su cualificada discografía).
Resulta complicado describir el piano de Esbjörn Svensson, columna vertebral del trío, cuando se trata de uno tan único. Hablar sobre su ecléctica simpleza, su agresiva melancolía, su vivaz ternura o su plácida energía, no es suficiente para describir todo lo que él significa. Y por eso lo mejor es dar paso a su creación y disfrutar de este álbum (y de su mundo también), un momento placentero de sesenta y cinco minutos.

25 junio 2013

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Pavel Enzi - Not Far From Our Imagination (2012)


El EP debut de Pavel Enzi consigue, a pesar su naturaleza corta, captar la atención con melodías simples y amenas, de aspecto onírico, aunque sin descuidar la calidad del sonido. Se podría decir que el uso de distintas texturas es el fuerte de su música, donde se pueden apreciar paisajes acogedores, familiares, "edificantes". La convivencia de los instrumentos con las muestras y lo programado se da de manera natural y es una virtud a destacar. Un trabajo grato, ideal para desconectarse unos minutitos y dejarse llevar.

21 junio 2013

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Carlos Puebla - Soy Del Pueblo (1976)


Acompañando a la revolución y al pueblo cubano, Carlos Puebla fue una de las tantas figuras que protagonizó aquel hecho histórico, que con su romanticismo y muchos condimentos más se contagió a todo el globo. Como perfectamente ilustra su letra, "Por el pueblo voy pasando // y oyendo su sentimiento // lo recojo, y al momento // se lo devuelvo cantando", Carlos fue reflejo del proceso y del sentimiento de la gente. Y que combinando realidad con música, penetró en y conmovió el corazón de muchos. Los reto a no sentir escalofríos y dejar caer alguna lágrima al escucharlo.

19 junio 2013

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Cosmic Gate - No More Sleep (2002)


Naturalmente, estos tipos de música no hacen foco en los aspectos técnicos sino en el despertar de sensaciones y estados de ánimo más bien eufóricos, propios de horas de la madrugada. Y con éxito lo logra este álbum de Cosmic Gate lleno de clásicos, de  altos bpm's y caídas abruptas (ninguna novedad) que los vuelven adictivos rápidamente.

14 junio 2013

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Aranis - Aranis (2005)


De vez en cuando redescubro discos que quedan anclados en el tiempo, y que son sorpresas de lo más gratas. Este, como tantos otros, es el caso de Aranis, conjunto de cámara con gran riqueza en sonido y en ideas. Para mí es de esos trabajos que no valen las palabras y solamente con escucharlos se puede apreciar y comprender todo lo que ofrecen. Pero sí puedo decir que esperen en "Aranis" una actitud osada de su parte, con cambios de tiempo vertiginosos, gran cantidad de influencias bien marcadas, y sobre todo, una impronta dramática conmovedora. A pesar de este asqueroso texto que hoy escribo, los incentivo a que lleven para que puedan darse el gran gusto de disfrutar de esta excelente obra.

10 junio 2013

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Aunt Mary - Janus (1973)


A pesar de la tapa bizarra y algo diabólica, lo de Aunt Mary es más bien un Rock Progresivo suave con gran reminiscencia de los 60's. Solapándose por momentos con el Power Pop y con el Progresivo Sinfónico de la época, el sonido de "Janus" transita constantemente entre estos tipos de música. Se pueden apreciar solos de teclados y de guitarra, pasajes de lento crecimiento y construcción, así como también melodías simples y directas típicas de formato de radio. Un álbum que se hace fácil de escuchar pero que también consigue sumergirnos durante sus momentos de profundidad.

09 junio 2013

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Wu Fei - A Distant Youth (2007)


De las manos de esta virtuosa intéprete china, Wu Fei, es que llega este álbum con una gran carga del Folklore de su país, y también dejando algo de espacio para el encuentro con lo clásico y la experimentación.
La delicadeza se hace presente a lo largo de los 50 minutos, tanto en las ocasionales apariciones de la voz de Wu Fei como en el sonido principal del disco, el Guzheng (un tipo de cítara china). Y aunque alguno podría llegar a sentirlo como un trabajo plano, las participaciones puntuales de otros instrumentos le agregan diversidad y color a esta mezcla de vanguardia y tradición.
Una obra inusual y difícil de asimilar al principio, aunque cautivadora sin dudas, más allá de las preferencias personales.

05 junio 2013

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Shadow Circus - Whispers And Screams (2009)


Sin querer desvalorizar el trabajo de Shadow Circus y el de tantas otras bandas del estilo, porque realmente todas (a las que me refiero) lo hacen muy bien, "Whispers And Screams" es otro álbum más de Neo-Prog típico de la década, con una base que remite al sinfónico "clásico" más algunos arranques de agresividad que lo traen al nuevo milenio. Naturalmente, la música es buena y resulta fácilmente agradable para cualquiera que disfrute el género, por lo que fácilmente se gana un espacio en la colección de uno. La voz sí me desagrada, lamentablemente, lo que me vuelve reacio a escuchar el álbum por momentos, pero eso es algo más personal que otra cosa.
Como dije anteriormente, un trabajo más del montón, sí bueno, desde ya, pero con falta de sorpresas. Seguramente del gusto de varios igualmente.

01 junio 2013

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Muceh - Mucitron Arteria (2013)


Muceh es el pseudónimo de Maximiliano Olivera y bajo el cual lanza sus trabajos musicales (seis EPs y un LP al día de la fecha).
Si bien estos trabajos son breves y no suelen exceder los 20 minutos, el contenido y la cantidad de ideas arrojadas en ellos abunda. Y aunque el término "arrojadas" apunte a alguna falta de cohesión entre los temas sus trabajos, esto no invalida el interés que generan las canciones y la particularidad que tienen para penetrar en uno.
El sonido de Muceh es claramente Experimental, con algunas vetas hacia el Dream Pop y el Post-Rock, por nombrar un par. Se percibe también alguna similitud con el lado experimental del álbum "Ummagumma" de Pink Floyd, no se si es casualidad o una influencia de Maximiliano. Quien sí es una obvia influencia en su música es John Frusciante, y lo podrán notar tanto en el sentimiento a la hora de ejecutar la guitarra como en lo etéreo del sonido y los juegos entre capas de guitarras.
Aunque a este proyecto le falte madurar, ya nos entrega buen material y seguramente sea aún más interesante lo que produzca en un futuro.

25 mayo 2013

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LSD And The Search For God - LSD And The Search For God (2007)


Álbum breve de 22 minutos de duración, que tanto por ello como por el género que interpretan, no permiten mucho comentario al respecto.
Géneros como el Post-Rock y el Shoegaze en muchos casos tienden a agrupar bandas con un sonido muy similar y génerico si se quiere, lo cual, para el que disfruta de esa música, no resulta un problema. Posiblemente por la naturaleza cautivante de estos sonidos. Como sea, LSD And The Search For God es Shoegaze muy del palo de My Bloody Valentine, tal vez demasiado, oscilando entre un intento de asemejarse a MBV y una accidental dificultad de despegarse de sus influencias.
Música agradable de todas formas, con la de voz de Sophia como protagonista, punto alto de su sonido a mi parecer.

20 mayo 2013

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Mad Season - Above (1995)


Mad Season fue una de las llamadas "superbandas" del Rock, allá por mediados de los 90, cuyos integrantes provenían de Alince In Chains, Pearl Jam, y Screaming Trees. Seguramente reconocerán los nombres al leer la alineación del cuartero.
El fugaz paso de esta banda por la escena dejó solamente un álbum, digamos, bueno/muy bueno. El asunto con estos super grupos, es la expectativa que generan, tanto musical como comercialmente. Uno seguramente espere un trabajo de la puta madre, y muchas veces esto no pasa. Pero de todas formas, cada uno disfruta lo que le gusta, y el prejuicio que se pueda generar en los demás no tiene por qué influir en el disfrute de uno.
Atrás el chamuyo, "Above" es capaz una síntesis de la música de la década (y por extensión de las bandas de los integrantes que la forman), aunque sin quedarse pegado al sonido de algún grupo en particular. Lo que atraviesa ese espíritu desalineado del Grunge y Rock Alternativo es el Blues, cortando la crudeza del rock. A mi parecer esta decisión les da el sonido justo para no ser una banda más del montón, pero sí representar un género que a priori puede parecer frívolo y cuadrado. Como extra, el trabajo hecho por todos no se limita a los cuatro instrumentos clásicos, sino que se extiende a varios más, riqueza aportado que marca la diferencia.
Este disco sea seguramente obligatorio tenerlo, como cuanto menos, de colección.