The Fall of Troy - Doppelgänger (2005)

Banda original si las hay, The Fall of troy es un grupo de math-rock / mathcore experimental. Escapan absolutamente a las simples descripciones a través de etiquetas. Están alimentados de una sólida base de math-rock exquisitamente compleja (Erak es un guitarrista demasiado virtuoso, ver video de muestra) con bajos sincopados y guitarras delirantemente complejas. A esto se le suman una veta de Hardcore experimental que recuerda a The Mars Volta, y una influencia del rock-alternativo-emo más ecléctico que pueda pensarse.

La banda es todo Thomas Erak. El es el genio detrás de todo. Sus ridículamente virtuosas guitarras (realmente, que talento) llevan los temas, y su voz es la líder. Puede cantar limpio, sonando al típico cantante de rock-alternativo de la década del 2000, pero también sale con Screams y gritos desgarradores que no terminan de situarse entre el Screamo y el grito black metalero. Porque eso es otra cosa que tiene la banda por pasajes, (nunca terminan de tener un género específico más allá del math) tienen pasajes de un metal pesado atronador, del que pueden salir tranquilamente para volver a un rock alternativo ganchero y entrador o a una tormenta math-rockera imposible de seguir a primera escucha.

Recomiendo mucho ver el video de muestra, y el que busca algo original, o algo de math-rock o algo que destile talento en la guitarra, encontrará lo que busca en The Fall of Troy.

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Leap Day - Awaking The Muse (2009)

Como típica banda de Neo-Prog, Leap Day rememora a aquellos grupos clásicos del progresivo, en particular a Genesis, tanto en lo instrumental como en la voz. Su música agresiva con pasajes melódicos y buenas muestras de virtuosismo,  aunque algo carentes de originalidad, no dejan de ser atractivas y familiares para cualquier oyente del prog.
Las canciones se destacan por el juego de los instrumentos. Típico del progresivo, los pasajes de teclados y guitarra se alternan en los momentos donde los temas alcanzan el clímax, mientras que las secciones vocales constan más bien de un arreglo calmo, a veces con guitarra acústica.
Esperen entonces un trabajo agradable y fácil de recibir.

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Invisible - El jardín de los presentes (1976) [FLAC]

Nota: Luis Alberto Spinetta es mi héroe de la música argentina, y por eso iré subiendo algunos de los discos en calidad FLAC que tengo de él. 

De vuelta Invisible. En el post anterior, sobre Durazno Sangrando hablé de las características de esta agrupación de Luis Alberto. La importancia y protagonismo del bajo, la impronta jazzera, la batería técnica y los acordes abiertos son, como dije en el previo post, los lineamientos generales del sonido de Invisible. Sumado a un costado metafísico y filosófico en las letras. Pero, como también dije en el post anterior, cada disco de Invisible tiene una identidad particular en la que todos esos elementos constituyentes de la banda se desarrollan. 

En el caso de El Jardín de los Presentes, las principales ideas que, a mi entender describen mejor el disco son dos. El ambiente íntimo es uno de esos conceptos. Es un disco intimista desde su sonido, menos rockero en general (con excepciones) y más melancólico, y desde sus letras volcado hacia adentro, hacia la pregunta por uno mismo. La segunda idea central del disco es lo urbano. Es un disco puramente ciudadano. Y no sólo eso, es un disco muy porteño. Suena a porteño, cualidad sonora que es muy propia de Astor Piazzolla, y que en este disco Spinetta sabe reflejar. Los bandoneones (sublimes) de Los libros de la buena memoria y Las golondrinas de Plaza de Mayo son un reflejo ineludible de la ciudad de Buenos Aires. Pero, de nuevo, no sólo en lo sonoro se transmite el sentimiento urbano (un urbanismo teñido de melancolía, un urbanismo gris, nublado, muy Piazzolliano) también en las letras. Desde ya la referencia obvia está en El anillo del Capitán Beto, que es un tango en tiempo de jazz-fusión. La letra es un tango surrealista como podría haber escrito Horacio Ferrer, lleno de melancolía y de idea de paraíso perdido, un paraiso constituido por simbolos porteños, que se pierden en la soledad.

Otra cosa que hace especial a El Jardín de los Presentes es, además del agregado de los bandoneones a cargo del genio de Rodolfo Mederos, otro integrante nuevo en la formación Pomo-Machi-Spinetta que es Tomás Gubitsch; virtuoso guitarrista que toca con Piazzolla y que agregaría más tango y talento-jazzero al disco. Alarma entre los ángeles es la demostración del talento de esta nueva incorporación en la guitarra. Y el hecho de contar con un segundo guitarrista devuelve a Spinetta a su función de 2da-guitarra armonizadora que tan bien le cae. Abundan más juegos con guitarras acústicas, pasajes más armonizados y decorados, con menos de esa crudeza jazz rockera de los dos discos previos de la agrupación.

Un disco único. Siempre me costó elegir un disco como favorito en toda la carrera de Luis Alberto y de sus diversas bandas, pero este está en un podio con seguridad. Con el fabuloso jazz-fusión-metafísico de El Anillo del capitán Beto, con la ternura de Que ves el Cielo, con la desesperación rockera-existencial de Niño Condenado, con tantas cosas. No sólo eso, este disco cuenta con mi canción favorita de la música argentina, Los libros de la buena memoria.

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Invisible - Durazno Sangrando (1975) [FLAC]

Nota: Luis Alberto Spinetta es mi héroe de la música argentina, y por eso mis discos favoritos de él (unos diez) los tengo en buena calidad FLAC. Si al lector le interesan los puedo ir subiendo. 

Hablemos de Invisible. 

Es una banda irrepetible. Imbuida de sonido jazzero, con un protagonismo del bajo notable, rítmicas complejas, guitarras con acordes espaciales y letras cargadas de filosofía y metafísica. 

Machi Rufino en bajo y voz es de los mejores "partenaires" que ha tenido Luis Alberto. Es un bajista de descomunal talento, y además un buen corista; por otro lado Pomo Lorenzo es un baterista de jazz que estaba encubierto tocando blues-rock, por así decirlo. Y en esa época había pocos bateristas capaces de llevar la complejidad rítmica que proponía Invisible con tanta coherencia y solidez.

Este trío que sigue teniendo tendencia a un hard-rock setentero como hacía Pescado Rabioso, pero con más sofisticación, más complejidad y más talento instrumental(el bajo de Rufino, por favor!) se volcó desde el primer disco a las influencias jazz-rockeras que serían un continuum en el sonido de los tres discos de Invisible. Pero cada uno de los tres discos del grupo habría de mostrar distintos perfiles, distintos agregados a esa base Jazz-Rock. Distintas identidades.

En el caso de Durazno Sangrando, segundo disco del grupo, la banda se embarca en composiciones más largas, con distintas partes constitutivas, y una sonoridad más cercana al rock progresivo que dominaba parte de la escena de los 70's. Es el disco más complejo de Invisible. En lo lírico, como siempre en la obra de Luis Alberto hay una unión de la poesía y la metafísica, y si se quiere de la filosofía. El disco abunda en conceptos entre metafísicos y psicoanalíticos influenciados por las lecturas de Carl Jung. Conceptos como Ánima y Ánimus provienen de Jung y de la filosofía oriental. El otro pilar conceptual del disco es el existencialismo de Jean-Paul Sartre, de hecho nombra explícitamente El ser y la nada, la gran obra existencialista de Jean-Paul.

Musicalmente el disco abre con un gigante de 15 minutos, Encadenado al Ánima, construido a modo de Sonata-rockera-cósmica, y que cuenta con cierto sinfonismo dentro de una maraña jazz rockera excepcional. Durazno Sangrando, Pleamar de águilas y Dios de la Adolescencia usan menos distorsión en las guitarras y se podrían considerar temas más "livianos" si no fuese por la fuerza del bajo, la batería y las voces. En una lejana playa del Animus es la canción más compleja musicalmente, es de estructura y de ambientes cambiantes. Una canción de contrastes, con la voz hermosa de Luis, con guitarras latin-jazz y con un bajo despampanante. 

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Charles Mingus - Mingus Ah Um (1959)

Hay artistas que son en sí mismos su arte. Hay artistas cuya autenticidad reside en que su obra y ellos están hechos de la misma materia. Hay artistas cuya personalidad es indivisible de su arte de tal manera que uno no puede apreciar su obra sin ese correlato histórico del autor. Uno de los mejores ejemplos de esto en el mundo del Jazz es Charles Mingus. Me gustó la definición de él como "Un negro en permanente estado de furia", dada por zonadejazz.com. 

Mingus fue muchísimas cosas, pero una de las que más profundamente lo constituyó es su negritud. Fue el principal activista, dentro del mundo del jazz, contra el racismo. Era un tipo al que siempre le hirió profundamente la diferenciación racial, y fue consciente de esa marca, que constituía nacer con ese color de piel, desde pequeño. Tan consciente que la elección del instrumento que sería su expresión y su voz fue marcada por esto; al contrabajo lo eligió por su color de piel. El pretendía estudiar el Cello, pero le dijeron que era un instrumento de blanco (se lo dijeron sabiendo de que Mingus ya de joven era un potente luchador por los derechos del negro), entonces agarró el Contrabajo y queriéndolo o no terminaría siendo el mayor maestro de dicho instrumento.

Situémonos, es 1959: año célebre del jazz (hay un lindo documental en youtube sobre cuatro grandes discos de jazz de ese año, que son: el que hoy posteo de Mingus, Kind of Blue de Miles Davis, Time Out del Dave Brubeck Quartet y The Shape of Jazz to Come de Ornette Coleman. Cuatro discos que son de las cumbres más altas del jazz), año en el que el Jazz vendió más discos que nunca, año en el que las vanguardias jazzísticas empezaban a florecer. Y, por otro lado, año de la Revolución Cubana, años en los que el racismo, en muchos estados seguía siendo un gran flagelo para los grupos de Jazz, ya sea que estén formados por blancos, por negros o por combinaciones de ambos (que en estos años ya eran más usuales). Años en los que Mingus hacía música compulsivamente, a un ritmo de 4 o 5 discos por año. 

Todo este contexto histórico condujo al Mingus Ah Um, el más aclamado disco de Mingus junto al The Black Saint and the Sinner Lady. Este Mingus ah Um es un disco en el que musicalmente alcanza un balance entre el Hard Bop, el post bop, incluso resabios Gospel y los incipientes movimientos más vanguardistas a los que Mingus luego se acercaría, y con los que ya venía coqueteando. Con un conjunto de vientos con varios saxos, trombones, clarinete, trompeta, etc, y además su brillante bajo, todo con la genialidad compositiva y arregladora de Mingus. Y conceptualmente, es uno de los discos de jazz más fuertemente orientados en una dirección conceptual. ¿Qué dirección? La dirección de la lucha contra la discriminación racial. Por ejemplo, con la excepcional Fables of Faubus, canción que habla (en este disco está la versión instrumental, pero hay versiones cantadas) irónicamente de un político de un estado del sur que era eminentemente segregador y racista. Una composición excepcional, cargada de sarcasmo, ironía, contenido político, resentimiento y genialidad musical.

Una obra cumbre de su género es este disco que hoy traigo al blog. Un perfecto acercamiento a uno de los mayores genios del jazz, para mi. O, al menos, en mi podio de Héroes del Jazz el señor Mingus está. Lo recomiendo fervorosamente, a este disco y a Mingus, el negro furioso y genial del jazz.

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John Zorn / Mycale - Mycale: Book of Angels Volume 13 (2010)

Los "Book of Angels" son una serie de álbumes parte del proyecto "Masada Book Two", composiciones de John Zorn, y que vienen a formar una suerte de songbook. Claramente influenciado por su herencia judía, estas composiciones están basadas en sonidos y escalas hebreas así como también cuenta con aportes de otras cultura de Oriente Medio.

La interpretación está siempre a cargo de algún grupo no necesariamente compuesto por Zorn, el cual le aporta a las composiciones de éste elementos propios y distintivos que alejan a su música del tradicionalismo.

En este caso, la interpretación está a cargo de Mycale, grupo A Capella formado por cuatro voces femeninas que se turnan para formar la base rítmica y la voz principal.
Resulta finalmente interesante por varias razones. Desde las composiciones originales de Zorn, hasta el acabado Pop dado por Mycale, hay en el medio distintos elementos que lo hacen tanto un álbum diferente como de fácil escucha. Y creo que es ese el mayor logro.

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Absurdum Essentia - Kino (2012)

Como en ya varias ocasiones, otra vez llega material interesante y poco difundido desde Rusia. En este caso se trata del trabajo de, si mal no traduje, Lana Vertinskaya, y un interesante aporte de IDM con algunas variaciones melódicas y de otros tipos que terminan por hacer fácilmente agradable su música.

Incluso con la incorporación de otros tipos de música, se torna repetitivo y carente de originalidad la música. De todas formas, tampoco eso es algo que uno pretenda de todo lo que escucha; ni considerarlo pecado mortal por no ser absolutamente innovador. Aún así, "Kino" garantiza una buena experiencia como música Chillout. Porque más allá de sus detalles, asumir una postura pasiva y dejar que los sonidos marquen el rumbo es el propósito de estas obras.

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